Отзывы зрителей на фильмы

Pоберт Олтмен, один из лучших режиссёров американского кино, прославился всё-таки поздно — в возрасте сорока пяти лет. После выхода фильма «MASH» (аббревиатура просуществовавшего до 2006 года армейского подразделения расшифровывается так: «Передвижной военный хирургический госпиталь») наступило десятилетие наивысшего успеха этого постановщика, который сразу получил характеристику «антимифотворца». «MASH» — это «чёрная комедия» о проделках трёх друзей-капитанов: Бенджамина Франклина Пирса по прозвищу Хоки, «траппера» Джона Фрэнсиса МакИнтайра и «дюка» (то есть «герцога») Огастаса Бредфорда Форреста, которые являются хирургами в госпитале во время войны в Корее. Но наряду с абсурдными антивоенными комедиями начала 70-х годов («Уловка-22» Майка Николса, «Бойня номер 5» Джорджа Роя Хилла), лента Олтмена тоже воспринималась как язвительно-гневный протест против грязной войны во Вьетнаме. В то время американские постановщики не имели другой возможности, кроме «эзопова языка», чтобы выразить подобным образом своё осуждение военной политики США в Индокитае.

Однако картина Роберта Олтмена, который сам в годы второй мировой войны служил в ВВС, одновременно является ещё и дерзкой сатирой на нравы военщины, доводит до алогизма и полной бессмыслицы армейские порядки, едко развенчивает ореол, созданный вокруг образов «бравых солдат». Не случайно, что во многих странах «MASH» понимался как гротеск, клеймящий позором любую войну. В комической, порой скандально-эпатажной форме раскрыты бесчеловечность, чуждость природе человека «профессии убивать», а тем более — когда она возведена в ранг патриотической доблести.

Сценарий Ринга Ларднера-младшего (он — единственный из пяти создателей-номинантов, кто всё же удостоился премии «Оскар»), написанный по роману Ричарда Хукера, подвергся во время съёмок значительной переделке. Поскольку Олтмену была более близка идея свободного стиля повествования, сочинения практически на ходу целой серии скетчей-импровизаций на тему абсурдной действительности, претворения на экране «фирменного» принципа перекрёстного диалога, который немыслимо трудно переводить. Прекрасно чувствуют себя в атмосфере «весёлого расставания с мифами» (достаточно упомянуть сцену «армейской тайной вечери» с лейтенантом-импотентом на месте Христа) актёры, прежде всего — Доналд Сазерленд и Эллиот Гулд (последний, кстати, ещё трижды играл в фильмах Роберта Олтмена). Хотя поначалу они даже недоумевали, что режиссёр излишне много времени уделяет второстепенным персонажам и незначительным деталям.

«MASH» не только получил главный приз на фестивале в Канне и был с восторгом принят критиками (а уже в 2007 году был назван, по опросу Американского киноинститута, 54-м в списке ста лучших произведений всех времён), но и пользовался большим успехом в прокате. Скромный бюджет в размере $3,5 млн. оказался превзойдённым в США более чем в 23 раза, сама же картина по посещаемости ныне находится на 80-м месте за всю историю американского кинематографа. Надо дополнительно отметить, что в 1972—83 годы на американском телевидении существовал более легковесный сериал с тем же названием «MASH».

Тот, кто был внимателен, мог уловить где-то в этих стенах объяснение понятия «Date night». У нас особого распространения оно, наверное, не имеет, а вот корни свои берет прямиком из сердцевины типичного американского семейного образа жизни. Семейная пара, как правило, выбирает определенный день недели, чтобы вырваться из всей этой повседневной домашней волокиты. Оставив детей под чьим-то присмотром, отправляются искать бодрое ночное приключение на свою семейную голову скажем в каком-нибудь клубе или ресторане, да бы хоть как-то вносить разнообразие цветов и в до того однотонный жизненный период. И не стоит вовсе, как у нас часто любят, кривым взглядом смотреть на дистрибьютора, часто не прикладывая никаких усилий да бы понять, что стоит за решением компании-прокатчика назвать фильм таким или иным образом. А потому, «Безумное свиданье» здесь более чем уместно.

Наши герои, Фил и Клэр Фостеры, как раз пример супружеской пары которая, как и часто происходит в подобных случаях, переживает за возможный распад, вероятность которого растет от окружающей и однообразной скудности всей их семейной жизни. К счастью при отсутствии явного желания поставить крест на всем происходящем, они ищут выход, стараясь чаще вдвоем, без детей выбираться на волю. В один такой вечер, Фил собрался пригласить Клэр в один ну очень крутой ресторан, но допустил оплошность, не забронировав заранее столик. Все дальнейшее — результат слияний «благородности» и «непрухи», и Фостерам приходится разгребать то, что им вовсе не положено.

Сразу хочется отметить явное достоинство данной комедии. Это ее главные актеры. Тина Фей и Стив Карелл достаточно популярные на западе комедийные лица, оправдывающие свой статус наилучшим образом. Несмотря на богатую второстепенную платформу, кино не нуждается в ней как в своей основной, всецело полагаясь на ту главную экранную пару, что тащит за собой все бриллиантовое покрывало. Сколько бы оно не блестело, все равно не в состоянии затмить столь яркую невидимую для глаз химию, что есть меж Кареллом и Фей. В них веришь. Веришь в то, что перед тобой реальная супружеская пара, попавшая в реально непростую ситуацию.

Режиссеру Шону Леви не привыкать работать со столь богатым актерским ансамблем. Стоит отметить, этот самый ансамбль не представляет из себя бездумный набор знаменитых актеров, что вовсе не против, получить легкие большие деньги за легкий трехдневный труд за съемки в коротких эпизодах. Каждый на своем месте, и каждый привносит своим небольшим участием огромный вклад в общую копилку, которую нам с вами, зрителям, предстоит разбить. Будь то Уолберг, отсутствие рубашек у героя которого явно вызовет восторг у женской аудитории, и пример для подражания у мужчин. Будь то Франко с Кунис, за 5 минут успевающие продемонстрировать совершенно потрясающую экранную пару. Рэй Лиотта, в привычном для себя амплуа. Уильям Фихтнер, герой которого введен сценаристами для справедливого оправдания порой присутствующей здоровой пошлости. И остальные. Вот он пример грамотного кастинга.

Держа в голове мысль о том, что создается комедия, сценаристы не стали рыться в корзине поднимая все ее содержание, а попросту проложили курс, и проследовали ему в течении всего своего творческого процесса. Рассмотрев семейный вопрос со всех сторон, постарались сделать его максимально приближенным к совершенно разным зрительским категориям. Актерам была отдана роль главных и единственных юмористических источников, а режиссер и остальные в свою очередь пытались всячески создать благоприятные для этих источников условия для жизни. И как бы далеко не заходила картина, она всегда четко помнит ту идею, которой обязана следовать, а потому я верю в то, что кино найдет свой успех не только в наших с вами глазах, но и в глазах профессиональных критиков, способных по достоинству оценить старания создателей.

Развернутый взгляд на семейный, в первую очередь, конечно же, американский, вопрос. Но и наш зритель, да и любой другой, сможет-таки выявить во всем этом огромный толк для самого себя, гарантировано выходя из зала с заметно приподнятым настроением. Дико смешное кино, которое обязательно пробьет вас на аплодисменты в процессе просмотра, как было и в нашем зале. Минимум пошлого юмора, малое присутствие которого не переходит каких-либо границ и остается в здравых рамках. Уверенная не отпускающая режиссура и множество колоритных персонажей способных оставаться в памяти в качестве незабываемых впечатлений. И многое другое. Это и есть, «Безумное свиданье». Кино — всецело оправдывающее свое название, демонстрируя нам, как может перевернуться мир одной супружеской пары всего лишь за одну ночь, после занятого ими чужого столика в ресторане.

Жанр «Пародии» в последние годы, то и дело умирает: о былой славе «Очень Страшного кино» можно только вспоминать или думать о ностальгических пародиях 90-х и более ранних. Современные примеры очень уж не выразительны: «Нереальный Блокбастер», «Очень Эпическое кино», «Супергеройское кино» еще раз доказали, что у авторов кончаются мысли и шутить им больше не о чем, по крайней мере нормальном. Режиссер Мэтью Вон предлагает иной подход к жанру, можно сказать, революционный подход: не пародировать какие-то фильмы, а самому создать пародию о пацане, который хочет быть супергероем! А история создана по комиксу, который на момент съемок еще не был даже издан! Именно об этом и есть фильм «Kick-ass», переведенный компаний «Леополис» в русском прокате, как «Пипец».

Кто только в детском возрасте, или даже в юношестве не мечтал стать героем? Вот об этом же и думает главный герой фильма, Дэйв Лезевски. Как он сам рассказал перед тем, как стать героем жил он обычной жизнью: ходил в школу, толкался с друзьями, западал на девчонок... или на учителей. В общем, даже те из нас, кто в детстве мечтал стать супергероем понимал (что и понимал герой «пипца», кстати): нам в реальности надерут задницу и нам придет Пипец! Так, Дэйв перешел стадию страха и пошел дальше — он заказал костюм, разукрашенный в глупые цвета, даже дубинки в качестве оружия взял и... пошел мочить плохих. Прям, зеленый Сорвиголова. Как следует, в первой же встрече с бандитами (их было «всего» двое) его побили и всадили ножом. Дэйв не отступил: оклемался и пошел дальше бить гопников (до мафии ему пока далеко). Как выяснилось удачно. Его второе «я», супергерой «Пипец „взорвал“ YouTube и интернет, ему подражают (иногда с фатальным исходом), а девочки хотят его. Жизнь, кажется, удалась. Вскоре наш Пипец встречает новых героев, и как он сам признается, настоящих героев: Папаню и Убивашку. Тут-то он и понимает, что он — ничтожество, и что сидеть бы ему дальше в своем дому и думать о славе, и героях только в мечтах.

Подход по-настоящему интересен, ведь всегда легче пародировать готовый материал, чем создать оригинальную комедию. В данном случае создатели черпали вдохновенье из комикса Марка Миллера, на момент создания фильма еще даже не выпущенного. Мы видим саму пародию на супергероев, точнее на тех, кто собирается ими стать. Эта затея опасная, глупая, больная. Но в тоже время нам пытаются довести до ума забитую, но актуальную тему: если постараться, можно сделать многое. Вот, Пипец постарался и сделал многое. Можно за один день стать идолом и королем, тем кем ты всегда мечтал, но в другой можно уже хотеть от этого отказаться. Власть убивает, особенно в отношении главного героя, когда знаменит не он, а его «второе я». Это не Дэйва любят девочки, это не Дэйв звезда интернета, но именно Дэйв может погибнуть в очередной схватки со злодеем. Эта история о становлении пацана мужчиной или о том, куда приводят мечты.

На роль главного героя был взят пока не очень известный актер Аарон Джонсон. Неплохо вписался в образ, немало благодаря тому, что ему 19 лет, и он сам не прочь стать супергероем. Убивашкой, а по совместительству еще дочерью папани, Минди Макриди, стала Хлоя Моретц. Играет забавно и натурально. Интересно наблюдать за ее двойной жизнью: в одной она любит мороженое и смотреть телевизор, а в другой она крошит злодеев и носится по крышам. Папаня и в жизни Дэймон Макриди — отставной коп и в его роли — Николас Кейдж. Похоже, Кейдж взялся уж совсем за экзотические роли. Даже несмотря на некоторый спад в игре актера, Ник замечателен и интересен, ровно, как и его экранная дочь. Леденящий Макрк Стронг играет мафиози. Ему не терпится доказать, что быть супергероем — опасно для здоровья. В этом ему помогает, не без успеха, его сын, супергерой, по имени «Красный угар».

Даже не смотря на всю революционность проекта и интерес к нему, «Kick-ass» не «высокое» кино. Оно вроде арт-хауса, только задорного, провокационного и на себя не похожего. Остается надеется, что он доберется до широкого проката. Хотя никакого денежного интересна, фильм, скорее всего не представляет для прокатчика в России «Леополиса»: компания закрывает прокатное отделение, связи с не прибыльным годом: «Возмездие», «Из Парижа» с любовью», и даже «Любовь в большом городе», хоть и являлись важными проектами, не заработали должного количества денег в Российском прокате. Так что «Леополис» сосредоточится на создании фильмов. Забавно, на постерах «Пипца» красовались надписи «В апреле всем придет пипец»... «Всем пипец в апреле». Похоже «Леополис» ярко видела свое будущуе...

Отдельно о переводе. Русский дублированный скорее всего испарит нешуточную долю шуток и бранных выражений, которых кроме матом на русский язык перевести нельзя, но в кино использовать можно. Тем более, настоящие голоса актеров важны, особенно в проектах такого рода. В данном случае есть вариант посмотреть в оригинале или же в переводе Гоблина (если таковой будет). «Пипец», именно тот вариант, когда вульгарности и пошлости бояться не надо. Здесь они добавляет и реализма, и не убивают юмор.

Яркий, запоминающийся (не только из-за названия) провокационный комедийный боевик, отдаленно напоминающий арт-хаус, с запоминающимися героями и диалогам, с легкой начинкой правды. Отличный весенний «блокбастер».

Вторая мировая война. Группа британских солдат получает задание проникнуть на территорию фашисткой Германии и вызволить из плена американского генерала... Задача не из лёгких и героям предстоит столкнуться с множеством трудностей, но они настоящие профессионалы, каждый в своём деле...

Фильм «Куда залетают только орлы» по ошибке можно принять за военную картину — взглянув на афишу или прочитав описание, но это не совсем так. Здесь действительно присутствуют внешние элементы военных фильмов: действие происходит во время войны, фашисты, британские, американские солдаты и офицеры...

Вот только назвать этот фильм военным у меня язык не поворачивается. Потому что «Куда залетают только орлы» — это по сути картина про шпионов, если быть совсем точным, то её скорее следует назвать шпионским боевиком...

Боевик, надо сказать, получился на редкость потрясающим. Снят-то он в 1968 году! Не было тогда у кинематографистов современного раздражающего размаха — погони снимали со вкусом; взрывы, стрельба — всё только по делу, всё подчиненно сюжету.

Сценарий здесь крепкий и довольно чётко выверенный: отличные (за некоторым исключением) диалоги, захватывающие повороты сюжета... Это не удивительно, ведь фильм имеет в качестве фундамента неплохую литературную основу (одноимённого романа я не читал, но в его качественных характеристиках не сомневаюсь).

Главным «актёрским» достижением картины является игра Ричарда Бёртона: находясь в кадре он просто приковывает к себе всё внимание, не делая при этом вроде бы ничего особенного — его игра естественна настолько, насколько это может быть возможно — высший балл.

Так же в фильме засветился Клинт Иствуд, на тот момент уже звезда вестернов Серджио Леоне «За пригоршню долларов», «Хороший, плохой, злой» и т. д. Сыграл хорошо — тут не поспоришь, но ничем не удивил, а фраза, которой он завершил фильм меня просто «убила» и несколько смазала приятное впечатление от просмотра — но здесь претензии нужно предъявлять скорее к сценарию.

Актёры на второстепенных ролях мне тоже понравились, особенно офицеры гестапо и СС, а также британский генералитет. В общем, актёрский состав справился со своей задачей на все сто, я считаю.

К режиссёрской работе у меня претензий тоже особых нет — в фильме много захватывающих сцен и несколько моментов, снятых с изрядной долей юмора (правда, не знаю, кого это больше заслуга: режиссёра Брайана Хаттона или автора романа и по совместительству сценариста фильма Алистера Маклина; или это просто моё больное воображение, и на самом деле ничего там смешного нет).

В итоге: шедевром этот фильм я бы не назвал, но золотой классикой кинематографа — однозначно. Рекомендую к просмотру как любителям боевиков и шпионских картин, так и отчаянным ретроманам и людям, интересующимся историей кино.

Безмолвный свет — это третий фильм любимчика каннского жюри и киномессии южноамериканского континента Карлоса Рейгадаса. Безмолвный свет представляет собой подробное описание жизни северомексиканских меннотитов, концентрируя внимание зрителя на морально-нравственных и этических проблемах их нелегкого бытия.

Главный герой — трудолюбивый фермер, примерный семьянин и многодетный отец — влюбляется в другую женщину и, будучи недостаточно религиозен, чтобы противостоять соблазну, но вполне честен, чтобы не скрывать его от жены, начинает чувствовать существенный диссонанс между свободой и ответственностью. Родным же и близким, в особенности — жене, этический образ которой приближен к образу мадонны, приходится ощущать на себе ужасающие отзвуки этого диссонанса, который к завершению фильма все же разрешается в консонанс.

Что касается художественных особенностей фильма, то здесь мы замечаем, что в «Безмолвном Свете» всеми цветами радуги сияют прекрасная режиссерская и операторская работа, отменная репрезентация естественно-природных звуков, великолепная организация внутреннего пространства и композиционная выверенность общей картины, но...

Когда Пелевина как-то попросили высказаться насчет романов Уэльбека, тот, в числе прочего, сказал и примерно следующее: «Конечно, они раскрывают множество проблем среднего французского обывателя, но знали бы вы, насколько мне пох** средний французский обыватель». В этом контексте подобно учуявшему аромат благоухающей вагины фаллосу встает навязчивый вопрос: насколько интересен нам средний северомексиканский протестант-меннотит?

Вместе с ответом на этот вопрос, который мы вербализовывать, пожалуй, не станем, на чашу весов с условным ярлычком «contra» кладем также запредельную наивность диалогов, деромантизированную неприглядность эротических сцен и антиэстетичность большинства пейзажей, а также мимоходом констатируем предельную умозрительность [Рейгадас, говорят, под впечатлением Тарковского взялся за кино] «Безмолвного Света», который при явной драматичности сюжета едва ли не напрочь исключает возможность его эмоционального переживания.

К теме крестного страдания армянского народа в ХХ веке обращались не только писатели, художники, музыканты многих стран, но и кинематографисты. В 1915-м были сняты игровые фильмы «Кровавый Восток» и «Под властью курдов». Они не сохранились. В 1922 году киностудия «Метро Голдвин Майер» выпустила фильм У. Уайлдера «Распродажа душ».

В 1934 году компания «Метро Голдвин Майер» приглашает классика Рубена Мамуляна экранизировать роман Франца Верфеля «40 дней горы Мусса-дага». Съемки прервались под давлением Турции и американских дипломатов, испугавшихся скандала. Турецкий посол в Вашингтоне выразил признательность властям США за мудрое решение.

Поединок экрана и политики продолжился и в XXI веке. Об «Арарате» канадского мастера Атома Эгояна писали как о детонаторе очередного «атомного взрыва негодования на турецком политическом полигоне».

«Это вопрос достоинства, — ответит Эгоян. — Работа над фильмом помогла мне полнее понять, что такое честь. Это фильм о чести! И, наконец, дух великого Рубена Мамуляна должен умиротвориться». Защищать честь и достоинство самого Эгояна пришлось уже канадским дипломатам. А «Мирамакс», приобретшая право на показ «Арарата» в США, получит более 2000 обращений из Турции с требованием разорвать контракт.

Ответственность взял на себя продюсер Харви Вайнштейн, заявивший, что «...Вашингтон устал от турецкого лобби, отрицающего Геноцид, как некоторые отрицают Холокост. Выпуск фильма — моя большая личная победа».

Параллельно была организована мощная кампания по запрету проката фильма в Италии. «Иль Джорнале» признает: «В нашей стране почти никогда не говорилось о первых этнических чистках ХХ века, пример которых воодушевил Адольфа Гитлера на массовое уничтожение евреев».

Новая волна протестов захлестнула интернет после известия о том, что Сильвестр Сталлоне планирует фильм о героической обороне Муса-лера (гора Муса) во времена геноцида армян 1915 года в Османской Турции. Очередная попытка экранизировать роман Верфеля снова сорвалась.

Известно, что Омара Шарифа, сыгравшего в лучшем из фильмов, посвященных этой теме, — «Майрик», в Турцию не пускают. Впрочем, это никак не мешает легендарному «Майрик» Анри Верноя с Ришаром Берри, Клаудией Кардинале, Омаром Шарифом оставаться фактом искусства. А с эстетической аргументацией политикам спорить трудно.

«Гнезду жаворонка» не подняться до высот «Майрик», до строф Мандельштама или Тарковского. Фильм-покаяние, еще одна попытка пробиться к исторической справедливости. Но, видимо, сказывается возраст режиссеров. При всей кинематографической культуре их пристрастие к живописности киноизображения выглядит неуместным. В картине ощутимо влияние эстетики Параджанова, но волшебного параджановского превращения этнографии в мифологию и зримую философию не происходит. Наряды женщин показательно изысканны, краски эпизодов каторжного пути армянских женщин чрезмерно ярки, сцены резни подчеркнуто эффектны. Как библейский образ: голова любимого мужа Арама на коленях чернеющей от горя жены Армине Авакян.

Это фильм, авторы которого осмелились быть искренними и без черного юмора, без спецэффектов, без псевдофилософских рассуждений на тему о сложности бытия показать трагедию как она есть. Но выдающимся этот фильм стал не только благодаря своей честности. Это выдающийся фильм, потому что, несмотря ни на что, в нем есть Свет. Показать который — задача практически невозможная на фоне диких сцен геноцида. Но свет — есть. Фильм не ввергает в глухое отчаяние по одной простой причине: его герои прекрасны. И, даже умирая, они делают это с таким высоким достоинством, что им удается невозможное: им удается не дать Злу торжествовать.

Есть трагедии, о которых вспоминают не только с болью, но и с гордостью. История, показанная нам в этом фильме, — из разряда последних. Поскольку происходящее на экране способно не только заставить сжаться от боли, но и вызвать искренне восхищение мужеством. Женщины и дети, умирающие от голода и жажды, будут умирать молча, без стона, без звука. В этой молчаливой смерти — их безмолвная победа и торжество.

Это безмолвное страдание переворачивает сюжет, делая фильм не столько рассказом о человеческой мерзости и жестокости, документальным свидетельством преступления (от подобных рассказов не остается ничего, кроме боли), — сколько преданием о мужестве и стойкости. И вместо тупого беспросветного отчаяния и ощущения бессилия перед убийцами у зрителя возникает парадоксальное ощущение победы. Это победа того же рода, что и торжество христианских мучеников. Не случайно в картине возникает вполне реальный образ распятия — спустя две тысячи лет за христианскую веру страдают так же, как во времена, когда она родилась.

Если говорить о чисто художественных достоинствах фильма, невозможно не отметить мастерство, с которым с самых первых кадров нагнетается ощущение тревоги, ожидание неотвратимого кошмара. Предчувствие беды медленно разливается в воздухе, нагретом беспечным южным солнцем. Турок, влюбленный в юную армянскую красавицу, вдруг проговаривается о том, что должен ее спасти. «От чего спасти? От чего?» — настойчиво добивается она.

Она еще ничего не знает — но она уже чувствует. Она не хочет верить. И она не получает ответа, — это ее как бы успокаивает… И маленький мальчик, внезапно увидевший своим шестым чувством прообраз будущего кровопролития и убедивший себя в том, что это была лишь галлюцинация, — тоже старается просто забыть. И даже взрослые зрелые люди, глава семьи и его жена, услышав вполне отчетливо, как в бреду жена турецкого полковника проговаривается о чем-то уже совершенно невозможном, — о том, как ей нравится мебель в этом армянском доме, и куда ее можно было бы пристроить в их с мужем особняке, — даже они стараются сделать вид, что это — так, ничего, просто бред… Надо забыть об услышанном и идти танцевать.

Ведь бежать этим людям некуда. Они обречены. Всё, что им остается, — накрыть стол в свой последний ужин лучшей в доме скатертью. Что они и делают. Жена (Арсине Ханджан) просто скажет спокойно: «Если это последний раз, когда нам суждено поужинать вместе, я хочу, чтобы все было красиво». И скажет это негромко, между делом, девушке, которая помогает ей накрывать на стол.

Иллюстративны характеры героев, старомоден киноязык. Кровь на стене — жди резню. Виноградинка падает из рук старика — смерть входит в дом. И конечно же, песня-плач, песня-гимн «Ов сирун, сирун». Кино пылкое и пыльное, декоративная иллюстрация к трагической странице истории, пригодная больше для показа по телевидению.

Возможно, осознавая эту недовыраженность, один из актеров на встрече с журналистами в Берлине говорил, что для него не очень важно, чтобы «Гнездо жаворонка» понравилось. «Мы обязаны не только плакать. Но говорить. Говорить себе и другим правду. Нельзя держать рот закрытым». Фильм Тавиани — ещё один шаг к признанию геноцида. Замалчивание исторических фактов копит топливо для новых войн. Нет нужды во всемирном судилище. Но честный взгляд в прошлое предотвращает инквизиции в будущем.

Есть фильмы, которые надо обязательно посмотреть в жизни. «Гнездо жаворонка» — безусловно, из их числа.

Фильм просто будоражит воображение, 4 наркомана, и каждый из них зависим по своему, но главное это то что “Реквием” погружает нас в мир людей, которые слишком слабы, чтобы справиться с собой, которые идут по пути наименьшего сопротивления. В мир, в котором время от времени мы все бываем, а порой и живем в нем постоянно… Сюжетная линия повествования выстроена идеально: события не опережают друг друга, они постепенно, с железной неотвратимостью ведут к единственно возможному финалу. Напряжение только усиливается, достигая апогея точно к концу фильма. Под мощный саундтрэк, моментально ставший хитом, этот 20-минутный финал буквально берет вас в свои руки, переминает, не оставляя единого живого места, и отпускает только к титрам.

Эта лента, получившая «Золотую пальмовую ветвь» в Канне в 1995 году (благодаря чему Эмир Кустурица стал всего лишь третьим по счёту — после Фрэнсиса Форда Копполы и Билле Аугуста — дважды лауреатом высшей награды одного из самых престижных кинофестивалей мира), обладает всеми признаками вольного и неудержимого таланта режиссёра из Сараева. Сам он упорно продолжает именовать себя югославским (а не боснийским) постановщиком, хотя единой страны СФРЮ уже не существует, и даже название Югославия, ещё несколько лет использовавшееся в Сербии и Черногории, теперь вообще исчезло с карт. Действительно случилось так, как это напророчил Кустурица в символическом финале своего «Подполья», когда показал, что от большой территории остался после происшедших разломов только жалкий кусок суши, дрейфующий в мировом пространстве. И кончилось то эпическое неделимое время, которое длилось и длилось для обитателей подполья, устроенного ещё в годы второй мировой войны, когда всем югославам, без деления на отдельные национальности, пришлось выживать в условиях немецкой оккупации.

Может создаться впечатление, что «Подполье» — это растянутый до размеров весьма причудливого (порой чуть ли не сюрреалистического) сказания обычный анекдот из серии про партизан, которые так и не узнали об окончании войны и продолжали по-прежнему прятаться в потайных местах, изредка совершая дерзкие вылазки, направленные против захватчиков родной земли. Но исходная комическая ситуация служит для Эмира Кустурицы лишь поводом для создания широкомасштабной фантасмагории всей окружающей действительности за полвека после войны, когда каждый индивид поневоле ощущал себя пленником времени, горделиво уповая на то, что является, на самом-то деле, заложником вечности. Однако вечное оказалось скоротечным, а не лишённая пафоса борьба за существование — обыкновенным бегством от реальности, аналогом трусливого закапывания головы страуса в песок. Подполье же превратилось в подобие склепа с заживо погребёнными людьми.

Несмотря на яркую и сочную образность, эта лента Кустурицы всё-таки представляется не только наиболее тяжеловесной и перегруженной символикой, но и излишне политизированной работой, что, кстати, спровоцировало её довольно резкий приём в Боснии и Герцеговине. А вот члены Сербской киноакадемии назвали «Подполье» третьим в списке лучших фильмов, созданных после второй мировой войны.

Париж, столица искусства. Именно в ней происходит действие фильма (хотя, конечно, видно невооруженным глазом, что снимали в павильонах, и не думаю, что в 1951 году странам Европы после Второй мировой войны было до фильмов). Трое мужчин, трое американцев. Джерри (Джим Келли) — художник, который продает свои картины на Монмартре и даже не установил на них цены, так как видно не было надобности. Музыкант, живущий все время на выигранные стипендии. И певец.

Две девушки — Лиз (Лесли Карон) работает в парфюмерном магазине продавщицей. И танцует, а танцует она, скажу я вам, очень шикарно. Хотя мне совершенно не понравилась ее внешность, короткая стрижка. Она — парижанка и любит она певца, и по вечерам встречается с Джерри. Мило Робертс — богатая девушка. Она чувствует власть денег, увлекается искусством и молодыми художниками. Именно она находит Джерри на Монмартре, продающим свои картины, и покупает парочку.

Джерри соглашается идти вместе с Мило в ресторан и там встречает Лиз, которая не охотно заводит с ним знакомство. Но обаятельность и напористость Джерри делают свое дело, и вечером они уже танцуют на набережной. Вот и весь сюжет. И в конце, конечно, главной героини Лиз нужно будет сделать выбор между Джерри и своим нынешним любовником, пытающимся увезти ее в Америку. Для современного зрителя, привыкшего к неожиданным поворотам событий в сюжетной линии, к почти неразрешимым проблем главных героев, к сложным характерам всех персонажей, этот фильм покажется детским мультфильмом. С моей точки зрения, хромает неимоверно. Поэтому становится скучно через минут 40.

Перейдем к плюсам. Самый главный и толстый, хотя нет, подтянутый, в отличной физической форме плюс — Джим Келли. Шикарнейший танцор, хореограф и неимоверно обаятельный американец. Именно своими ногами он притягивает взоры женщин и всех любителей танцев, отрывает от скучного сюжета. Его ноги творят чудеса на сцене, его непринужденная манера держаться перед камерой просто очаровывает.

Скажу так — весь фильм в самом последнем танце. Но танец этот просто прекрасный. Костюмы заслуживают самой высокой похвалы (недаром Оскаром не обделили), буйство красок на платьях и декорациях поражает даже современного искушенного зрителя. О хореографии и говорить не стоит. Выше всяких похвал. Дуэт Джима Келли и Лесли Карон с легкостью кружится по огромнейшей съемочной площадке. И в этом танце все: страсть, одиночество, любовь. Этот танец можно сравнить с самим Парижем.

Советую к просмотру всем, кто любит старые фильмы и мюзиклы. Конечно, присутствует скука, есть не интересность сюжета, отсутствуют какие-либо яркие эмоции со стороны актеров и танцоров. Хотите получить порцию юмора, ярких декораций и хореографии, блистательного Джима Келли — смотрите «Танцующие под дождем».

Так называемые сиквелы, то есть продолжения популярных фильмов, давно уже превратились в штампованные варианты сюжетов, привлёкших внимание публики. Поэтому лента «Ворон: Город ангелов» является, по сути, вольным римейком, копией первого «Ворона» или же его клоном. По слухам, от съёмок второй серии многие режиссёры отказывались, памятуя о трагической и загадочной гибели непосредственно на площадке молодого актёра Брэндона Ли, который как бы повторил роковую судьбу своего знаменитого отца — Брюса Ли. Да и заигрывать со смертью и мистическим обрядом воскрешения из мёртвых — дело, пожалуй, опасное и неблагодарное.

Решился только дебютант Тим Поуп, которому нечего было терять, кроме славы видеоклипмейкера (в частности, он снимал ролики для группы Cure). А в перспективе светила возможность если не повторить успех своего австралийского коллеги Алекса Пройаса (ведь никто не ожидал, что его кинодебют «Ворон» соберёт $50 млн. в США), то хотя бы ненамного отстать от этих показателей. Однако неплохой старт в первый уик-энд ($9,8 млн.) в дальнейшем не был подкреплён удачным прокатом, и картина Поупа, конечно же, не собрала прогнозируемую экспертами сумму $35 млн. Довольно короткий для американского фильма метраж (всего 84 минуты) всё равно не избавляет от ощущения, что второй «Ворон» — изрядно затянутый и перегруженный лишними подробностями видеоклип. В нём в сотый раз повторяются одни и те же сцены яростной мести восставшего из мёртвых, который хочет наказать тех, кто учинил насилие над ним и его сыном в столь же часто возникающих кадрах воспоминаний.