Наверное, из всех народов мира так очаровательно не умеют петь только немцы и французы. По — моему, французы и немцы поют песни только сами для себя. И что поразительно, в их песнях особый шарм — не поддаться которому невозможно. Даже их грустные по сути песни вселяют оптимизм, не говоря уже о веселых, которые дарят огромную надежду, — что всё будет хорошо. И поэтому любовь под французские песни не трагична. Вернее, трагична, красива, но не безысходна. Ее трагедию возможно пережить.
Любовь в фильме «Все песни только о любви» (которую анонсы к нему называют почему-то немного скучным и приевшимся романом) испытывается смертью — всё в лучших традициях любви. Впрочем, смерть как у Жюли — абсолютно случайна. Та, которая не должна была бы быть вообще. Как, например, в «Прошу слова», где мальчик Юра застреливает сам себя. Тогда создаётся впечатление, что существующее благополучие, эдакое затянувшееся, непрогрессирующее счастье должно подвергнуть испытаниям — чтобы узнать, а счастье (любовь) ли это, и чтобы, понятно, начать собственно сюжет. Панфилов говорил, что был поражен, услышав эту историю, дескать сын умер, а мать — на работу... Где горе и скорбь? Сюжету смерти во «Всех песнях…» тоже можно было бы поразиться — любимая девушка умерла, а парень вскоре влюбляется в другого... парня.
Кино испытывает нас смертью. Но так ли она переживается в жизни? Впрочем, подобные рассуждения могут завести или далеко или к расхожему замечанию, что жизнь гораздо интереснее (трагичнее, прозаичнее) кино.
Невиновной остается, в конечном счете, только Жюли. Чтобы она не говорила матери — Алис любит её, а не Исмаэля. Ведь она не вешается ему на шею для утешения после потерь не только в память о Жюли, но потому что его не любит. Вот почему она не сразу замечает: Ирван — не посыльный своего брата, с которым она встречалась.
Но такое ощущение, что аплодисментов заслуживает только Гаррель. Словно только у него есть какое-то неоспоримое моральное право на... На что? Прийти в последний, о, конечно же, в последний момент, на могилу Жюли, чтобы проститься, сказать, что всегда её будет любить (даже если он этого прямо и не говорит), попросить прощения. И это видит Жанна — теперь и она может быть спокойна: Исмаэль скорбит.
Конечно, семья Жюли его угнетает — сначала дурацкие обеды, где он вынужден всех развлекать и смотреть на семейную идиллию дочерней любви (чего он не выносит и выходит за выброшенной подушкой). А после и вовсе предлагают ему её деньги — словно приручая к себе.
Но Исмаэль не скорбит публично. Просто говорит, что не может касаться вещей Жюли — и зритель понимает, как на самом деле ему плохо (отличнейший кино шаблон).
Интересно, что героям, слава богу, не 18: Жюли не доживает до своего 30-летия. Все — таки прозрение и настоящая любовь — не для вчерашних школьников. И «пройдя земную жизнь до половины», им было что терять, — не только престижного жениха и работу в Германии (как в «Питер-эфэм»). Но эти фильмы (и «Прошу слова») не стоит сравнивать (они первые мне вспомнились, и даже переписывая, я не стала искать более свежие и правильные ассоциации и из мирового кино), у них абсолютно разные «весовые категории», из чего однако не следует, что «Все песни...» в таком случае имеют первую категорию.
Как известно, если бы любовь была счастливой, о ней не было бы песен. А в фильме — они главные смысловые диалоги. И уж конечно, по всем законам мюзикла (или почти мюзикла), самая главная песня звучит ближе к небу — на подоконнике.
Впрочем, как сказал поэт, мы умрем не в Париже (в отличие от перуанского поэта Сесара Вальехо). Но не поддаться его очарованию, а тем более киноочарованию — практически невозможно.
Итак, Оноре (современный Трюффо? Годар?) хотел еще раз сказать (спеть) про любовь. И кому уж как не ему, французу, так мило об этом рассказать?
Единственное, что завлекло меня на просмотр «Суперкросса» — имя Софии Буш. И пусть её здесь неприлично мало, я не жалею о потраченном времени.
Два брата (Кэй Си и Трип Карлайлы) мечтают добиться по примеру отца высот в мотокроссе. А пока мечтается, парни подрабатывают мойщиками бассейнов и гоняют на байках по окрестной пустыне. Однажды их замечают на местных соревнованиях, в результате чего Кэй Си, как более коммуникабельный юноша, приглашается в команду крупной мотокомпании, где его определяют вторым номером, то есть помощником главной звезды. В итоге, Трип недоволен прорывом брата, Кей Си недоволен местом «рабочей лошадки»… И так продолжается до тех пор, пока в один момент им не надоест печалиться, и да понесутся их железные кони по гоночным трассам.
Вот как раз момент с тем, что ребят так уж все не устраивало в сложившейся ситуации, мне показался слишком надуманным. Нет чтобы радоваться успехам и достижениям, понимаешь ли… Есть и другие не самые удачные сценарные идеи, а плюс к тому ещё и явная банальность вкупе с определенной предсказуемостью. В общем, как и ожидалось, сразу ясно, что сюжет у фильма оказался далеко не сильнейшей стороной. Но ведь никто ж и не смотрит подобные картины ради сюжета?
А теперь о явных достоинствах «Суперкросса». Так как полфильма проходит в сценах различных мотогонок, логично возникает вопрос: «А как их сняли?». И вот тут все на высоком уровне: радующие глаз красивые операторские планы и ракурсы, приятная музыка и динамика, динамика, динамика… Одно удовольствие.
Небольшой хронометраж картине только на пользу. Как бы ни было приятно наблюдать за гонками, должен соблюдаться предел. Смотрится кино с интересом, не смотря на хромающий сюжет, во всяком случае, скучать не приходилось.
Среди персонажей больше понравился Кей Си, так как с его братом вышел перебор в плане импульсивности и горячности, местами утрировано выглядело его поведение. Женские героини в фильме лишь для фона. Если брать в целом, актерская игра вполне приличная, как для развлекательного кино.
В конце хотелось бы отметить: зрителям, сведущим в мотокроссе, фильм преимущественно не нравится по причине множества ляпов и неточностей в этой области. Я, как профан в таких вопросах, ничем подобным не заморачивался, да и Вам не советую.
В итоге: плюсы перекрывают минусы. Приятный фильм с красивыми мотогонками.
Смотрела фильм на большом экране - всё замечательно даже Боярская понравилась. Сейчас просматривая фильм на телеэкране в ужасе. Почему Боярская? Ведь речь идёт о большой любви, а на экране натуральная САМКА, вот если бы Рапоппорт эту роль играла всё было замечательно. Хабенский просто супер! Боярская весь фильм испортила. Она красивая никто не спорит, но роль "Миледи" ей бы подошла больше. А Ковальчук роль жены сыграла просто лучьше не придумаешь. Всё в фильме очень понравилось.
После фильма «Делай, как надо», который можно было бы назвать философско-публицистическим опытом в стиле «кинорэпа», его автор Спайк Ли, талантливый чёрнокожий представитель «новейшей нью-йоркской волны», обратился к славным на протяжении десятилетий традициям блюза. Этот род музыки возник в глубинах негритянской (теперь надо говорить — афроамериканской) культуры, но прочно и навсегда вписался в общий американский менталитет. Блюз стал синонимом печальной мелодии души, грусти по поводу несостоявшейся или же безответной любви.
Вот и чёрнокожий трубач Блик Гиллиам, ведая лишь суетные проблемы околотворческого характера, в основном, из-за своего суматошного и чудаковатого менеджера по прозвищу Великан (в его роли — сам режиссёр), однажды допускает глупые ошибки в удачно развивавшихся параллельных романах с учительницей Индиго и красоткой-метиской Кларк, у которой есть дар исполнительницы блюзов. Ссора с обеими любовницами и связь Кларк, словно в отместку, с Шедоу, саксофонистом из их джаз-банда, усугубляются для Блика всё более множащимися неприятностями, которые провоцирует его авантюрный менеджер. Великану не нравится даже то, что на концерты вместо негров ходят белые, почему-то полюбившие «не свою» музыку. Но что бы ни случилось в жизни блюзмена, вплоть до драматического ухода со сцены, он никогда не вправе разувериваться, терять надежду, отчаиваться, поскольку и самый грустный блюз — всё равно «блюз о том, что будет лучше».
Картина Спайка Ли (её намеренно грамматически неправильное название переводят по-всякому — «Больше хороших блюзов», «Всем блюзам блюз»), восхищая музыкально-изобразительными вариациями в блюзовой манере, радуя отдельными остроумными зарисовками на тему творческих, человеческих и расовых взаимоотношений, всё-таки кажется мелковатой по мысли, довольно затянутой и порой монотонной, явно проигрывая в сравнении с предыдущей лентой режиссёра. Зрители и критики тоже отнеслись к этой работе прохладно, интуитивно догадавшись, что следующая «будет лучше» — и в «Лихорадке джунглей» Ли постарался «повысить температуру» на экране и соответственно в зале.
Очень приятный и спокойный фильм для домашнего просмотра. Тем удивительнее цифра сборов этой картины в Штатах. Не уверен, что сегодня, спустя 13 лет, такая размеренная манера повествования и приглушенная цветовая гамма способны увлечь большое число зрителей. Нынешним киноманам подавай 3D-трансформеров или пестрые фэнтези-комиксы! (Ну надо же, ворчу, как столетняя развалина! «Вот в наааше время…»)
Всё-таки удивительные, поистине феноменальные перемены происходят в этой весьма популярной у американских зрителей (бюджет в размере $32 млн. был превзойдён более чем в три раза) картине, которую снял режиссёр Джон Тёртелтауб как бы в развитие своего предшествующего успеха в схожем жанре фантазийной мелодрамы («Пока ты спал»). Сначала главный герой «Феномена», провинциальный автомеханик Джордж Мэлли, считаемый в лучшем случае недотёпой, стал уверять всех в день собственного 37-летия, что получил световой удар от некоего инопланетного объекта и из-за этого резко поумнел. А потом действительно смог продемонстрировать вдруг приобретённые им экстрасенсорные способности.
Траволта очень обаятелен и еще не слишком толст. Уитакер — красавчик! Роберт Дюваль — тоже сыграл без халтуры. Седжвик — дама с внешностью на любителя, но даже она вызывает какие-то очень теплые чувства… Так и хочется купить бунгало где-нибудь в американском Урюпинске, завести пикап, семью и собаку и жить в темпе неторопливой кантри-баллады! Короче, то, что американцы называют «to settle down». Не думаю, конечно, что у меня получилось бы, но сейчас, спустя полчаса после просмотра «Феномена», верить в это хочется!
Надо заметить, что подобная метаморфоза героя в исполнении Джона Траволты воспринималась в те годы не без особого юмора в связи с почти магическим возвращением этого голливудского актёра на звёздный Олимп после его появления в «Криминальном чтиве» Квентина Тарантино. Но «Феномен», будучи доброй и душевной комедией с элементами фантастики (видимо, такое сочетание теперь наиболее любимо публикой), внезапно превращается ближе к финалу в ещё более трогательную трагикомическую историю про совсем неглупого дурачка — вполне в стиле оскароносного фильма «Форрест Гамп» Роберта Земекиса.
Сразу стоит уточнить, что «Поцелуй вампира» — фильм прежде всего не о вампирах, а о человеке, который сходит с ума, вообразив себя одним из них.
Главный герой Питер Лоу проводит свою жизнь, работая в литературном издательстве днём, а вечером посещает ночные клубы, чтобы насладиться связями на одну ночь.
Не найдя ту самую любимую девушку, однажды, он знакомится с Рэйчел — вампиршей (или придуманной девушкой, в которую влюбляется), которая кусает Питера в шею, и постепенно он начинает сам становиться вампиром. Он покупает клыки, носит темные очки, не видит своего отражения в зеркале и делает себе лежбище, похожее на гроб… После этого существующие два мира — тот, что в голове Питера, и реальный мир смешиваются и не понятно — то, что происходит, явь или это всего лишь иллюзия?
Хоть фильм по тематике фантастичен и содержит чёрный юмор, списать его со счетов жанров триллера и ужаса не удастся. И тому есть два момента.
Первое это то, что происходит внутри главного героя, его полное «превращение в вампира» (постепенное схождение с ума), и второе — напряженное преследование Питера своей секретарши, которая никак не может найти ему договор, который не столь нужен самому заказчику.
Ну, и конечно, фильм был бы не полностью оценен как статус «стоит посмотреть», если бы не игра актеров.
Николас Кейдж в роли Питера Лоу бесподобен — эта игра на грани безумия. Искренняя вера в то, что он становится вампиром, и образ человека, которому никто не может помочь прийти в себя, заставляет содрогаться. Он страшен и комичен, он жёсткий и слабый, он убийца и жертва. Преследование секретарши, сцена с убийством в клубе, разговор Лоу со столбом и финальная сцена в его квартире — лучшие моменты фильма.
Мария Кончита Алонсо в роли секретарши Лоу Альды — серой мышки, которая терпит унижение своего шефа, а впоследствии становится жертвой его домогательств, сыграла очень правдоподобно. Она является жертвой, на которой отражается психическая деградация главного героя.
Элизабет Эшли мастерски передала амплуа профессионального психиатра, представляя как бы карикатуру на современных врачей психики.
Дженифер Билз создала образ соблазнительной вампирши, которая держит в своих сетях рассудок Лоу, но от этого в последствии отказывается.
Как и все независимые фильмы, «Поцелуй вампира» — кино не для всех, но оно способно держать у экрана зрителя все отведенное время, оставляя после какую-то необъяснимую за собой грусть.
Красивая, богатая, одним словом — «роковая женщина» Мэтти Уокер из «жаркого штата» Флорида сначала возбуждает страстное чувство у местного молодого адвоката Неда Рэсина, а затем вдохновляет его на убийство своего мужа, обещая взамен любовь и состояние. Но финал этой истории не так уж легко предугадать.
Первая картина 32-летнего режиссёра Лоренса Кэздана, который ранее сотрудничал в качестве сценариста на киноциклах «Звёздные войны» и об Индиане Джонсе (кстати, Джордж Лукас помог ему в работе над «Жаром тела» и был одним из исполнительных продюсеров, хотя и не указан в титрах), может показаться вариацией на темы «чёрных фильмов» и мелодрам 40-х годов. Подчас её напрямую связывают с лентой «Двойная страховка» (1944) Билли Уайлдера, тем более что дебютировавшая в кино будущая звезда 80-х годов Кэтлин Тёрнер напоминает своим обликом и характером персонажей Барбары Стенвик и Лорен Бакалл из картин 40-х годов.
Но лучше, пожалуй, сравнить «Жар тела» не со старой, а с новой экранизацией другого романа Джеймса М. Кейна — «Почтальон всегда звонит дважды» Боба Рейфелсона, между прочим, снятой в том же 1981 году. Тщательная психологическая разработка характеров, внимание к чувствам и переживаниям героев оказываются для режиссёров обеих лент всё-таки важнее интриги, мрачной атмосферы действия и тревожного ожидания смерти. Встреча с женщиной, любовь, неожиданные поступки — всё трактуется как наваждение, лихорадка, жар тела. Однако избавление от этого «жара» тоже не может дать успокоения и примирения — наоборот, воспринимается в качестве новой одержимости, игры рока, злой судьбы. В подобном случае смерть была бы даже желаннее, нежели жизнь в состоянии разочарования и пониженной температуры тела.
Этот гениальный фильм, безусловно лучший в их творчестве, Этан и Джоэл Коэны анонсировали еще в 2006 году, как своеобразную квинтэссенцию своего взгляда не только и не столько на режиссуру, а на жизнь в целом. О том, насколько важен этот автобиографичный фильм для Коэнов можно судить по одной фразе из интервью Этана перед выходом фильма в прокат: «Вы можете ничего не смотреть из наших фильмов. Вы можете ничего не смотреть вообще. Достаточно посмотреть до конца только этот фильм». Десятки раз Коэны переписывали сценарий фильма, два года занял кастинг актеров на главные роли, больше года ушло на съемочный процесс, что для Коэнов является абсолютным рекордом (для сравнения съемки «Старикам здесь не место» заняли два месяца). И вот теперь, посмотрев этот фильм, с полной уверенностью можно сказать, что Этан был совсем недалек от истины. За всю 131 летнюю историю кино еще не было автобиографичного фильма с таким глубоким смыслом, бесконечной многослойностью, философским и религиозным подтекстом и при этом снятом в стиле «чёрной» комедии.
Внешне фильм абсолютно прост. Кроме нескольких кадров в начале фильма, в которых мы видим фрагменты еврейской жизни послевоенной Польши (в великолепно поставленной сцене еврейка избивает старика, потому что думает, что он диббук — мертвый человек, охваченный злым духом) все его действие проходит в конце 60-х годов в том же еврейском квартале Миннеаполиса, в котором выросли сами Коэны. Лари Гопник — главный герой «Серьезного человека» — это собирательный образ из детства Коэнов, в котором очень многое было взято от их отца — Эдварда Коэна (также как и Гопник он был университетским профессором в Миннеаполисе). В фильме нет ни одного придуманного кадра. Все эпизоды, все персонажи, все диалоги и события имеют под собой реальную историю из жизни Коэнов. Для еще большей достоверности происходящего на экране, Коэны специально отказались от участия в фильме звезд, отобрав на все роли актеров из малоизвестных даже в США сериалов. Но зато внутренне «Серьезный человек» распадается на столько граней, сколько каждому дано увидеть в этом замечательном фильме.
В 1935 году основатель квантовой физики Эрвин Шредингер придумал занятный умственный парадокс, названный в дальнейшем «Кот Шредингера». Для внешнего наблюдателя, который знает, что в чёрном ящике сидит кот, никогда не известно до конца жив кот, находящийся в нем, или мертв. Различные следствия из этого парадокса это единственное, что преподает в своем колледже профессор физики Ларри Гопник. Коэны не спроста вводят в фильм парадокс Шредингера. «Котом Шредингера» для Коэнов является сам Лари. В начале фильма мы видим, что привычный, такой понятный мир Гопника разваливается за один день, как карточный домик. Жена оставляет его ради более удачливого коллеги, странный безработный брат с игровой зависимостью постоянно спит в гостиной, сын занят поисками марихуаны, эгоистичная дочь думает только о ринопластике, южнокорейский студент, которому Лари поставил оценку F по физике предлагает ему взятку за оценку B, а когда Лари отказывается, то с помощью своего отца пишет руководству колледжа гнусные письма, угрожая Лари судом. В итоге за один день Лари теряет полный контакт с таким привычным для него миром, укладом жизни, но пока не находит новый мир, с новым языком и формами выражения себя.
Понять в дальнейшем всю глубину этого фильма, заложенную Коэнами буквально в каждом кадре, невозможно без знакомства с трудами Людвига Витгенштейна по теории «языковых игр» и смысловых контекстов. В России мало кто знает, что Этан Коэн, помимо того, что он пишет сценарии и снимает по ним фильмы, является доктором философии Принстонского университета и известным в США специалистом по творчеству этого крупнейшего еврейского философа XX века. Философа, который один из первых показал как сложно, в принципе, понимание другого человека с его собственной уникальной системой смыслов. Все человеческие проблемы, писал Витгенштейн, — следствие неправильного употребления и понимания слов. Все проблемы Ларри Гопника, в фильме Коэнов, только в том, что он не может правильно выразить свои мысли и чувства на языке, понятном ему самому и окружающим его людям. Именно из-за этого и возникают все, порой комичные, порой трагичные, сложности и проблемы в его мире. Никто не может помочь Гопнику, потому что не понимает его, потому что Лари не понимает себя сам.
Коэны выросли в хасидской еврейской семье и это не могло не отразиться на их мировоззрении и на сюжете фильма. В основе хасидизма лежит идея «двэкут» — полной сопричастности человека и божественного, постижимого только в личном опыте. Три хасидских раввина, к которым Лари обращается за поиском ответов на свои вопросы, безусловно, главная находка Коэнов. Раввины, смешно отвечая на вопросы Лари всякой чушью, дают ему понять, что никаких проблем у него на самом деле нет и быть не может, потому что для Бога едино все. Ответы на все вопросы Лари нельзя выразить словами, он должен сам найти их в своем опыте, в своих интерпретациях. Только Ларри, а не Бог, может решить для себя «жив кот или мертв». Один из раби говорит, что Бог сейчас на месте для стоянки автомобилей, другой рассказывает ему абсолютно оторванную от проблем Лари банальную историю. Увы, Лари не понимает мудрости хасидских раввинов, намекающих на то, что Бог дал ему эти испытания только для того, чтобы он перестал быть «мертвым котом». Ведь все, что для Лари кажется проблемой, не более чем установка его узкого, ограниченного и такого «серьезного» сознания. Лари сам невероятно сузил свой маленький мир, закрыл в нем свое «Я» и все свои жизненные перспективы, потерял гибкость в интерпретации себя и других, что и привело в его жизнь те проблемы, которые ему предстоит решить.
Смешав трагедию и юмор, Коэны, в этом великом фильме, в забавной и простой внешне форме сумели не только показать духовную пустоту современного мира с отчуждением в нем маленького человека, которого никто не может и не хочет понять, но и осмыслить куда более глубокие философские и религиозные проблемы. Все сцены фильма невероятно точны и элегантны, наполнены массой метафор и тонкого юмора, понятного каждому. Никакой музыки, ненужных спецэффектов, дрожащей камеры, отвлекающих от главного. Гениальный, неожиданный, бессловесный финал. На все основные вопросы своей жизни Коэны ответили этим фильмом. Теперь на них может ответить и каждый из нас, исходя уже из собственного уникального опыта.
Понимаю, что самое простое и порой логичное это мягко говорить «нет» в адрес современного российского кино, плюя в его сторону и отворачиваясь. Я конечно о мэйнстриме. Но вряд ли кого-либо должно подобное устраивать, если человек хоть самую малость задумывается о своей совести, и о том какие чувства она испытывает, когда новый очередной плевок делается в адрес действительно стоящей картины. Нужно ведь всегда верить в лучшее. Исходя из логики, ведь ничего скажем не выйдет, если, к примеру, снимать кино за 5 миллионов долларов с одним актером и в одном ангаре. А ведь на деле имеем иной, обратный логики результат. Также и с новым отечественным творением. В него нужно просто чуточку поверить, и забыть все негодования, вызванные многочисленными предыдущими российскими работами, рассчитанными на массового зрителя.
Павел Санаев ещё задолго до этого как-то заявлял, что в случае провала фильма готов прилюдно съесть сценарий. Что ж, видно мы, зрители, с таким шоу пролетаем. А бумагу съесть он ещё успеет, поскольку теперь мы знаем, что нас ждет продолжение. Которое, к слову сказать, имеет полный резон чтобы его ждать.
По сюжету мы имеем компанию ребят-геймеров, которые побеждая на одном турнире, получают кое-что, кардинально меняющее их дальнейшую жизнь. В один миг они осознают, что многое теперь в их жизни изменилось, и те способности, что они имели, играя в компьютерные игры (на языке прогейминга «скилл») теперь целиком и полностью перенесены в реальный окружающий их мир. По не самому удачному стечению обстоятельств и невеликому желанию этому противостоять главные герои оказываются в гуще событий, которые сами так или иначе заставляют их прибегать к своим появившимся способностям. Рано или поздно большие люди должны были заметить столь большую выгоду, что в конечном итоге и происходит. И их начинают использовать не в самых гуманных, но для кого-то очень выгодных целях.
Главной прелестью фильма стали взаимоотношения главных героев. Их взгляды на то будущее которое в один момент стало неизбежным. Павел Санаев не отдал себя на сплошную столь желаемую работу над основными сюжетными линиями, а постарался как можно лучше сделать так, чтобы кино не имело слабых мест. Идея достаточно грамотно справляется с тем, чтобы показать как, прежде простые студенты, играющие в компьютерные игры, посещающие университет, втягиваются в опасный нелегкий мир, и как каждый из них на это посмотрит. Сумеют ли они остаться теми же людьми какими были прежде.
Не стану скрывать, и думаю, что многие со мной согласятся, что нередко в последнее время в выходящих отечественных фильмах снимаются молодые актеры, которые то и дело мазолят глаз своей игрой. Здесь же мы имеем к великому удивлению полную гармонию. Конечно, одним отдана роль более значимая, другим менее, и, тем не менее, весь основной актерский состав, те люди которые играют в фильме геймеров, очень удачно дополняют друг друга. Видно, что были подобраны реально старательные люди, которым небезразлично такое понятие как человеческий труд. Влияние, проявляемое на экране одним героем на другого, постепенно растет с каждой минутой, что в конечном итоге приводит к достаточно яркой и эмоциональной концовке, где всюду можно увидеть одну лишь искренность мотивации происходящих поступков и переживаний.
Это действительно честная картина, которая стремится проложить свой собственный путь и честно по нему следовать своими собственными ногами. Вы не увидите пафоса. Не увидите обмана. Пролетающее в одно мгновение кино благодаря слаженной динамике, богатому саундтреку, грамотной режиссуре и старательной актерской работе, которое ставит на первый план совсем не экшен, а тех лиц, что в нём участвуют, и как я недавно уже писал, всегда более радушен для ушей и глаз тот экшен, главным героям которого ты реально сопереживаешь. А чтобы им сопереживать, их нужно понять, их нужно прочувствовать и всерьез воспринять.
Некоторые, говоря о каждом очередном русском кино, выражаются типа «гвоздь в крышку гроба». На что я могу ответить лишь просьбой. Перепроверяйте.
В очень модном сейчас жанре альманаха — а как ещё встречать юбилейный фестиваль — пятеро из так называемого «клуба молодых режиссёров» — Петр Буслов, Алексей Герман мл., Кирилл Серебренников, Иван Вырыпаев и Борис Хлебников — представили свое видение… Не знаю чего видение. Любви и прочих человеческих отношений, наверно. Ну, как всегда у молодых режиссёров.
Больше всего это было похоже на программное заявление, выпуск альбома объединения художников и отчет в духе «Мы не тратили время зря». Почти все пятеро сняли свои небольшие картины совершенно в своем духе, узнаваемые чуть ли не с первого плана. Герман нагнал тумана, сырости, ржавчины, безнадежности, тоски и бормотания. Маленькое большое кино, ага. Его работа была о странном пациенте очень странной психиатрической больницы где-то на странном острове в Северном море. Чтобы сказать «Это кино мне понравилось» надо быть очень, очень большим поклонником Германа-мл…
К счастью, его фрагмент не был первым. Открывала альманах «Короткое замыкание» маленькая бытовая комедия Хлебникова — «Позор». Он действовал и вовсе просто, пригласив на роль звезду своего «Свободного плавания» — Александра Яценко — и предложив ему еще раз сыграть старого персонажа. В несколько новых обстоятельствах, но по-прежнему Лёне, герою Яценко, очень родных. Это сработало на отлично, фрагмент Хлебникова практически все зрители безоговорочно сочли лучшим в альманахе. По-хорошему, он, в итоге, лучше всех знает, как обращаться с коротким метром.
Особенно хорошо он смотрится на контрасте — своей простотой, в хорошем смысле слова нормальностью, юмором и почти отсутствующей мрачностью или чернухой. Тогда как даже довольно красивая, почти абстрактная, слегка заигравшаяся с темой «кино в кино» работа Вырыпаева — «Ощущения» — смутила тем, что ее герой «неделю назад только освободился». Тогда как Пётр Буслов — «Бумер», ну вы знаете — и вовсе налил лужу крови, вместе со своим оператором профессионально нагнал трагичности в духе «Сначала мы покажем как все плохо, потом будем нагнетать».
Слушайте, с этим фильмом совершенно необходимо познакомиться всем более-менее интересующимся отечественным кино. Хотя бы в силу его програмности, знаковости даже можно сказать. Он очень хорошо показывает, как раз «где та молодая шпана» и какие у нас могут быть перспективы с авторским кино.
Хочется надеяться, что в окружении своих убитых фактур, интровертных персонажей, тоскливых сюжетов и прочего режиссёры не сойдут с ума окончательно и найдут в себе какие-то силы на несерьезность, самоиронию, как и шедший последним Кирилл Серебренников, удививший своим откровенно угарным фрагментом «Поцелуй креветки».
