Этот фильм — еще одно доказательство того, что Джеки Чан — действительно Китайская звезда. То ли работает поговорка — «в своем дому и стены помогают», то ли просто человек, который в Гонконге ощущает себя абсолютно всемогущим, работает просто для души, но факт остается фактом — стоит только Джеки Чану после американских поделок вернуться на Родину, он сразу же выдает нечто совершенно замечательное!
После кассового провала «Вокруг света за 80 дней» Джеки Чан заявил, что ему надоела Америка и особенно Голливуд — денег ему уже давно искать не надо, а славы у него больше, чем у любого другого актера в мире, не держали его больше штаты, вернулся он в Китай и подряд выпускает один шедевр за другим. «Роб-би-гуд» — третья абсолютно самостоятельная работа Джеки Чана неогонконгского периода, после амбициозной «Новой полицейской истории» и традиционно-китайского «Мифа».
Фильм получился великолепным — Джеки Чан сам написал к нему сценарий и спродюссировал его, тем самым это его полновластное детище. И это очень хорошо заметно — сценарий, как во всех самостоятельных лентах Чана — слаб и неоргинален, поскольку сценарий в них обычно — дело десятое.
Да, некоторые пеняют Джеки — вот, мол, собрал сюжет из «Гангстеров и подгузников» и «Троих мужчин и младенца», одел его в экшн канву, добавил китайского и выдал на экраны. И что? Да, сюжет стал почти классическим, но в данном случае имеет место не слепое и бездарное копирование, а просто удачное заимствование. Джеки построил на неоригинальном сюжете оригинальное кино.
Фильм получился, в общем, и целом очень веселым, позитивным и жизнерадостным, несмотря на то, что в некоторых сценах хочется плакать. Джеки Чан собрал неплохую актерскую команду, и, поскольку сам уже не в состоянии выделывать былые кренделя, распихал лучшие трюки между своими подопечными, наибольшая часть их досталась его партнеру — молодому Луису Ку.
Что можно сказать об экшн-части фильма? Ну, да, Джеки Чану не 20 и даже не 40, и бои его выглядят несколько тяжеловатыми, и себя он уже начинает явно беречь, но если кто-то скажет, что это неправильно, пусть бросит в меня камень! Хватит! Отскакался. Даже то, что он делает в этом фильме, вызывает глубокое уважение и восхищение легендарным мастером — некоторые драки поставлены отлично, и, хотя нас лишили традиционной финальной схватки, Чан и его команда, показали, что в гонконге боевики могут все еще существовать с минимумом спецэффектов. И ему за это поклон нижайший!
Да, Джеки стареет, это никак не сказывается на качестве его лент, но очень сказывается на их содержании. Безудержное веселье ранних боевиков сменилось вдумчивостью, наличием подтекста, его фильмы стали трогательными, сентиментальными, эмоциональными, комедия в них уже уступает мелодраме. Это закономерность — это было и в «Новой полицейской истории», и в «Мифе»: любой великий комик рано или поздно придет к осознанию реальности.
И этот фильм построен так же — несмотря на общий беззаботный настрой, фильм вовсе не бессмысленный. Это все-таки далеко не «Гангстеры и подгузники» — герои решают проблемы с юмором, но они решают ПРОБЛЕМЫ. И тема «блудного сына», и «где кончается воровское и начинается человеческое», и «ребенок в перенаселенном Китае» — последняя особенно ярко.
Кстати, фильм начинается несколько сумбурно и глуповато, как новые китайские боевики и смотрится без особой радости, но, едва в руках у двух воришек оказывается малец, начинается увлекательная, смешная, яркая комедия, которая сменяется крепким боевиком, а потом переходит в жизнеутверждающую мелодраму.
И у фильма очень оригинальная концовка — чего-чего ожидал, но только не такого, — причем к ней подводили столько раз и разными путями, заставляя думать о чем угодно — за героев переживаешь безумно.
Джеки Чан снова порадовал. Он становится старше, больше думает, в его фильмах все больше китайского, может быть, лет через 10 мы увидим его в роли Далай-Ламы, призывающего людей к миру и единению. Может быть. Но пока перед нами всепобеждающий Джеки, улыбающийся, хоть и сквозь слезы, своей легендарной улыбкой — обаятельный и любимый. Ну, и ребенок попался им на редкость симпатичный и миленький.
«Алиса в стране чудес»- одна из тех сказок, которые я люблю читать и, время от времени, цитировать. Поэтому в данный момент пытаюсь наверстать упущенное и смотрю разнообразные экранизации данной сказки. Так что этот фильм, который я видел где-то два-три года назад (но не полностью), подвергся пересмотру и моему оцениванию.
Естественно, экранизация сказок, зачастую, неблагодарная работа, а уж о такой невероятной фантасмагории и речи-то не идет, поэтому при оценивании экранизаций, стараюсь быть предельно терпимым. Но вот в чем проблема, если фильм не является своего рода фантасмагорией, хоть и не полностью повторяющей книгу, оценить его хорошо у меня просто не поднимается рука, потому как тогда «Алиса» превращается в обычную незаурядную сказку. Если честно, воспоминания из прошлых лет дали мне огромную надежду на хороший фильм, но, увы, тогда у меня были совсем другие представления и приоритеты, поэтому после пересмотра у меня сформировалось четкое, надо признать, не совсем доброе, решение.
Сюжет изначально подвергся доработке, которая ему не требовалась. Но сценаристы решили, что пускать фильм без смысла как-то не очень хорошо. Они выдумали смехотворную мораль, достойную самой Герцогини — Алиса весь фильм почему-то мучается из-за того, что ей надо петь для аудитории, и естественно, в конце понимает, что все не так страшно. Должен же быть полный happy end, а не какой-то там обычный возврат в реальность! Так же есть несколько недочетов свойственных американским версиям фильма. Таких как, например, идеалом Алисы является девочка-блондинка с длинными волосами, не смотря на то, что прототипом героини была девочка с темными волосами.
Ну и естественно, каждая экранизация сгребает две абсолютно разные истории в кучу, я говорю о «Алисе в стране чудес» и «Алисе в Зазеркалье», но данная оплошность, скорее, является логотипом подобных экранизаций, поэтому на данную деталь, я уже не обращаю внимания при просмотре. Однако считаю нужным заметить, что здесь довольно много моментов из «Зазеркалья», таких как, Труляля и Траляля, Белый Рыцарь. Но не могу не заметить, что данный фильм является первой экранизацией (которую я видел, а может и вовсе первой) такого момента, как разговор Алисы с Грифоном и Морским Деликатесом (Черепаха Как Бы, Черепаха Квази или Под-котик — зависит от перевода), что не могло меня не порадовать. Но чем больше я смотрю эти фильмы, тем глубже в меня закрадывается идея, что американцы чем-то не любят персонаж Шалтая-Болтая. Интересно, правда ли?
Ничего новаторского для телевидения в принципе не делают, поэтому данный фильм со стороны качества ничем не примечательный, и говорить о работе режиссера и операторов — крайне сложно. Как, собственно, и о музыке, которую я совершенно не запомнил.
Правда, есть деталь, которая меня смущала и смущает. Механические куклы, да и, наверное, их последующая замена людьми. Лично я не понимаю, зачем делать довольно примитивного вида и, можно даже сказать, страшные наброски (по-другому не назовешь), чтобы потом в итоге их все же заменить людьми (с не менее удачным гримом и костюмами), но, иногда, они «радуют» глаз до конца эпизода.
Ну и скажу несколько слов в завершение об актёрах. Во-первых, хочу заметить, что Тина Мажорино, вполне справилась с ролью, которую можно приблизительно назвать Алисой. Все же все недостатки ее игры я перекладываю на сценаристов с их замудрениями и режиссера с его дотошностью к данным замудрениям.
Хочу сказать, что Вупи Голдберг, меня откровенно бесила в образе Чеширского кота. Возможно, это, конечно же, качество графики повлияло, на мое видение, но ее голос и какая-то слишком усердная улыбка меня точно добили.
От Кристофера Ллойда примерно того и ожидала, не могу сказать, что его Белый Рыцарь мне не понравился, но я все же голосую за нашего советского.
Миранда Ричардсон. Эта актриса у меня вызывает противоречивые чувства: то она мне нравится, как это было в «Сонной Лощине» Тима Бёртона, то от нее хочется отвернуться, как в «Великом Мерлине», который тоже, кстати, делался для телевидения. В роли Дамы червей она была откровенно ужасна (я даже начал прослеживать тенденцию). Видимо вся съемочная группа фильма решила, что на такого «обычного» персонажа слишком много всего навалили, переложили половину ее обязанностей на волевого Червонного короля, во-вторых, сказали только кричать на всех и вся, если нужно все-таки что-то сказать. Именно этот аспект фильма очень «задел» меня и, довольно таки, хорошо подпортил мое отношение к данной киноленте.
Еще, пожалуй, сделаю акцент на Мартине Шорте. Он умудрился сыграть Шляпника так, чтобы он, один из любимых для меня героев книги, мне откровенно не понравился. Конечно, этот актер далеко не «первого сорта», если можно так сказать, но все же настолько ужасающего результата я ожидать не мог.
Вспомню Джина Уайлдера. С этим актером я видел всего два фильма («Алиса» входит в их число) и они оба являются сказками, но нигде: ни в перовом, ни во втором фильме он мне не понравился. Подозреваю, что его берут только за вокал.
А так же, не переходя на личности. Не такими я себе представляла Мышь и Гусеницу. Однако порадовали Герцогиня и ее кухарка.
В общем, сценарий и задумка были очень даже неплохи (не считая доработок), но подвели исполнения и, скорее всего, ограниченные возможности. Поэтому фильм смотрится очень средне и практически не оставляет чувств после просмотра.
Отвратительно! Режиссер выжимает слезу всеми доступными средствами. Гнусная игра на добром отношении к животным. Мы с мужем тоже рыдали, конечно, - фильм срежессирован мастерски, но при этом еще и похихикивали. А чего расстраиваться - скажите? Собааачку жааалко, хлюп? Всем известна собачья преданность, но чтобы собака 9 лет не могла понять, что хозяин умер?! А еще говорят- собаки умные животные... У подруги отец умирает от рака, ослеп совсем. Я вот к бабушке обещала съездить загород и не успела - она умерла... Да, это стоит оплакивать... Любите больше людей, чем собак, своих близких, родных, друзей. Еще психологи говорят, что те люди, которые больше жалеют животных, чем людей, по натуре невероятно жестоки.
Сам фильм статичный какой-то - с середины действие останавливается. Ричарду Гиру, однако, - поклон и уважение.
Австралийский режиссёр и продюсер Джордж Миллер, создатель трёх «Безумных Максов», а также американского фильма «Иствикские ведьмы», неожиданно стал триумфатором, выпустив в качестве продюсера и соавтора сценария вроде бы обычную картину о животных для семейного просмотра, которая умудрилась в мировом прокате превысить свой тридцатимиллионный бюджет почти в восемь с половиной раз. Но австралийский вариант голливудских сентиментальных историй про собачек, кошечек и другой домашней живности отнюдь не так бесхитростен, как это может показаться по пересказу действительно забавного сюжета. Поросёнок Бэйб (то есть Крошка), попавший на ферму Артура Хоггета, дружит с овчарками и сам мечтает стать отважным псом, которому легко повиновались бы глупые овечки. Только после того, как поросёнок принял вместе с хозяином участие в ежегодных престижных соревнованиях, он получил звание... лучшей овчарки сезона!
В ленте 42-летнего кинодебютанта Криса Нунена (ранее он работал на телевидении) есть и английское лукавство (всё-таки Австралия — страна Британского содружества), и американское пристрастие к гэговому юмору. В каком-то смысле «Бэйб» — аналог популярных телепередач, в которых на изображение накладывается для пущего комического эффекта сопровождающий «прикольный» комментарий. Однако Миллер и Нунен пошли ещё дальше, использовав компьютерные приёмы и роботов-животных, которые разговаривают на крупном плане с соблюдением артикуляции, причём переход от живого действия к комбинированному происходит в одном кадре и совершенно незаметен (за что и достался «Оскар» в категории «лучшие визуальные эффекты»).
Впрочем, говорящие головы поросёнка, овчарок, утки и овец порой могут и раздражать зрителя, не привыкшего к этому в игровом кино. Но всё спасает остроумный финал, убеждающий от противного, что плох тот поросёнок, который не мечтает стать овчаркой. Каждый может добиться того, чего он на самом деле хочет, а не притворяется перед собой, что якобы этого желает. Так что знаменателен вот какой факт: фильм «Бэйб» получил «Золотой глобус» за лучшую комедию 1995 года, являвшегося, как известно, Годом Свиньи по восточному календарю.
Довольно посредственный, проходной боевик с Оуэном Уилсоном, сменившем свою ковбойскую шляпу из «Шанхайского полдня» на военную форму, а лошадь на боевой истребитель и перекочевавшему из комедийного жанра в экшен. Несмотря на это, смотрится он неплохо, хотя сам фильм основан на достаточно слабом сюжете, напичкан всевозможными штампами и ни на микрон не отходит от канонов жанра «банальный боевик».
Как всегда, здесь можно лицезреть бравых американских парней, фанатично преданных своему делу, любование собственной военной техникой, кучу политической пропаганды в совокупности с безмерным патриотизмом и пафосом и прочие атрибуты жанра: один солдат, противостоящий целой армии кровожадных боевиков, их не менее кровожадный и одержимый насилием лидер, друг и напарник нашего бравого солдатика, который, естественно, погибнет первым, а еще зловещий убийца-профессионал в исполнении Машкова, задача которого — ликвидировать нашего несчастного Рэмбо.
Актеры в фильме заняты очень неплохие: Джин Хэкман, Хоаким Де Альмейда, Дэвид Кит и, конечно же, Владимир Машков — единственное по-настоящему светлое пятно в фильме, не считая экшен-сцен. Несмотря на почти бессловесную роль, Машков очень органично и классно сыграл жестокого сербского охотника за людьми Сашу. Можно смаковать каждый кадр, в котором он появляется. Спокойный и методичный, хладнокровный и расчетливый убийца с обжигающим холодным взглядом, почти бесстрастным выражением лица и с неизменной снайперской винтовкой — он просто великолепен.
Фильм неплохо снят, насыщен динамикой и драйвом, хорошими боевыми сценами, хотя и не совсем правдоподобными. Смотрится на одном дыхании и достаточно интересно, несмотря на избитый сюжет и банальное повествование. Как развлекательный боевик вполне подойдет для любой компании. Его можно посмотреть с друзьями, расслабив мозги и получая удовольствие хотя бы от колоритного и харизматичного Машкова.
Фактически с персональным творчеством Алексея Германа зрители впервые познакомились лишь благодаря ленте «Двадцать дней без войны». Поскольку его дебютная работа «Седьмой спутник» (1967) была снята совместно с Григорием Ароновым, а первая самостоятельная картина «Операция «С Новым годом» (по повести отца, Юрия Германа), созданная в 1971 году, оказалась на пресловутой «полке», где пролежала вплоть до 1986-го, и под названием «Проверка на дорогах» вышла даже после фильма «Мой друг Иван Лапшин», бывшего «Начальника опергруппы», который был закончен в 1982 году, но запрещён в течение трёх лет. Лента «Двадцать дней без войны» ведь и возникла только при поддержке известного писателя Константина Симонова, который всё-таки был на хорошем счету у советского начальства и мог вступиться за ещё считающегося молодым режиссёра (Герману исполнилось 37 лет, когда он выбрал для экранизации симоновскую повесть «Из записок Лопатина»).
Казалось бы, название картины недвусмысленно свидетельствует о том, что будет представлена на экране «война без войны», если не считать первых сцен, действие которых происходит на фронте под Сталинградом. Однако этот фильм Алексея Германа — один из точнейших и удивительнейших художественных документов военного времени. Уникальность творческого метода Германа, который принципиально работает лишь в стилистике чёрно-белого кинематографа, в том и заключается, что он будто без особых усилий переходит от максимальной конкретности, детальности, дотошности в воспроизведении быта и реальности минувшего — к обобщениям высшего порядка, постижению скрытой сути ушедшей эпохи: она увидена как бы с временной дистанции, уже в развитии, подчас в трагической перспективе. Обнаруженный больной нерв (а ещё точнее — нарыв) времени саднит и не даёт покоя спустя десятилетия.
Алексей Герман снимает кино только о прошлом, и его словно вообще не интересует настоящее. На самом-то деле, можно говорить о своего рода редукции, производимой за кадром — в сознании постановщика, который обращается из современности в другую эпоху, чтобы решить вполне сегодняшние проблемы. А операцию, обратную редукции, должен потом проделать зритель, что не всегда даётся так уж легко. Лишь с течением времени ленты Германа становятся будто проще и доходчивее, внутренне проясняясь для более точного понимания. Сначала может показаться, что они — как «тотальное ретро», которое истово стилизует минувшее. Но это не просто уход в прошлое. Ретро — псевдоним настоящего. Только условие, допуск.
Не случайно, что режиссёр стремился выстроить картину «Двадцать дней войны» в качестве воспоминания главного героя, военного корреспондента Лопатина, который был в двадцатидневной командировке на киностудии в Ташкенте, где снимался очередной, не лишённый наивности и приблизительности, фильм о войне, однако воспринимаемый в качестве нужного и правдивого теми, кто находится далеко от фронта. Казалось бы, это излишний, даже вынужденный приём, который позволяет придать хоть какую-то стройность лихорадочно несвязанным сценам, существующим, как и сама жизнь, в непрестанном броуновском движении. И там иногда часть становится важнее целого, подменяет его собою, превращаясь как бы в самостоятельное произведение (например, долгий монолог лётчика в вагоне поезда или митинг на заводе в Ташкенте).
Но ведь кинематограф тоже метонимичен по своей глубинной сути — и это его свойство особенно близко Алексею Герману, который сторонится всего иносказательного, демонстративно образного, метафорического, порой предпочитая предельный минимализм и лаконичность в использовании выразительных средств, строя свой экранный мир как мозаику отдельных деталей и вроде бы малозначимых подробностей. Собственно говоря, показ «войны без войны» — это схожий метонимический принцип. И лента «Двадцать дней без войны» по своему лапидарному и соразмерному подходу к материалу прошлого занимает особое место в творчестве Германа, являясь внешне простой и в то же время совершенной кинематографической работой.
Очень сложно писать рецензию к такому фильму как «Отстреливая собак» на свежую голову, когда еще идут финальные титры. В голове нет мыслей, потому что мозг просто взорван этой картиной. Попробую передать эмоции.
О жестокости, безразличии и безумии: Не углубляясь в содержание, хочется сказать, что это фильм-шок! Несколько дней назад посмотрел «Отель Руанда», который оказал очень сильное впечатление, но «Отстреливая собак» гораздо сильней. Он просто поражает своей безжалостностью, неотвратимостью ужасной реальности. Фильм буквально целиком погружает сознание в происходящие на экране события. Разум отказывается верить в то, что такое было возможно еще каких-то 15 лет назад. Посмотрите на карту. Руанда это крошечное государство в самом сердце Африки, размерами примерно 200х150 км (меньше чем Московская область) и чуть меньше по населению. А теперь представьте картину если бы за три месяца с лишним, в Москве убили около миллиона человек. Не представляется? И мне нет. Это наверно потому, что для нас, как и для всего остального мира это было бы непостижимой трагедией, сравнимой по масштабам с геноцидом Евреев фашистами, но Руандские события для нас это всего лишь локальный конфликт, который произошел с черными за тридевять земель. Именно такие слова и произносит репортер БиБиСи: «когда я видела в Косово убитых белых женщин, то представляла себе, что это убили мою мать, и слезы так и лились ручьем из глаз. В Руанде я не плачу, потому что убитые руанки это всего лишь мертвые черные женщины». Что мы знаем об этих событиях? Неужели фильм передал все как было на самом деле?! Если это так, то это просто ужасно!
Особенно цинично смотрелась сцена, когда французские военные эвакуировали людей по признаку цвета кожи. В машине нашлось место даже для собаки «белокожих» но ни для одного черного ребенка.
О долге: В фильме есть один очень противоречивый персонаж, это офицер миротворцев ООН. Он солдат и подчиняется приказам командиров. Миротворцы были единственным барьером, за которым были в безопасности сотни людей, и тут приказ «Уезжать». Фильм не передал его душевных страданий по поводу того, что таким образом, он обрекает многих людей на мучительную смерть. Видимо, этих страданий не было. Ложное чувство долга это удобная ширма для того, что бы спрятать за ней крайнюю степень моральной деградации. Если такой человек был на самом деле, то очень интересно как ему спится по ночам?
О Боге и вере: Это тема очень деликатно обыграна в картине. Когда видишь вокруг расчлененные мачете трупы вчерашних соседей, убитых детей, изнасилованных монашек, то в любом здоровом разуме не может не возникнуть вопрос: А где же Бог?! И тут происходит очень важная вещь — расщепление в сознании религии и Самого Бога. Многие люди не видят никакой разницы и полностью отождествляют Бога с религией. Это как раз и произошло со священником, который 30 лет исправно отправлял обряды и читал Библию тем, кто сейчас стоит за воротами с окровавленными мачете. Поняв всю бессмысленность религии он говорит: «Они приходят в церковь, поют, едят хлеб, а потом уходят. Знаешь почему? Потому что им так велят! Они совершают ритуал, совершенно не понимая его смысла». На вопрос испуганных, отданных на заклание Тутси: «Где же Бог?!», можно было ответить только одним способом — не удрав вместе со всеми остальными белыми. Бог невидим, и только по поступкам истинно верующих в Него людей, можно убедиться, что Он не покинул нас и сострадает с нами вместе в любом нашем горе. Когда священник решает остаться и умереть вместе с черными братьями и сестрами, только тогда Бог явно проявил Свое присутствие. Так же явно как и стала очевидной вся бессмысленность обрядовой религии и ее несостоятельность ответить на самые главные вопросы в жизни. Кстати, это подтверждает и факт, что после кровавых событий 1994 г. процент христиан в этой стране резко сократился, а мусульман возрос. Видимо, многие люди так и не поняли, что религия и Бог не тождественны и окончательно разочаровались в христианстве.
Заключительные слова героини фильма, прошедшей через мясорубку геноцида, звучат как упрек и откровение всем нам: «Нам дано время. Надо использовать его с толком». Такой дельный совет
может дать только человек, заглянувший смерти в глаза.
Об этом фильме можно рассуждать бесконечно, поскольку его глубина столь велика, что хватит пищи для ума на многие годы. Обязательно буду смотреть этот фильм еще, что бы снова погрузиться и переосмыслить тот шок, который рушит последние иллюзии о человеческой природе, ценности жизни и присутствии в ней Бога.
Дело не столько в черно-белой картинке, сколько в странном послевкусии. Смотрел ленту не в кинотеатре и даже еще раз проверил год выпуска: нет, 2009…
Так почему же фильм ч/б? Он, кстати, не то что весь без цвета, а приблизительно на 4/5. Первое предположение: прихоть мастера, стиль... Второе: отсыл к великим из прошлого (например, в начале черно-белая картинка уличных сцен Буэнос-Айреса напомнила феллиниевский «Амаркорд», хотя тот был цветным...) Третье: это нынешняя жизнь Тетро черно-белая, не цветная, потому что у него теперь такое категоричное мироощущение, а раньше-то все было хорошо, как у всех, то есть в цвете.
Сюжет: младший брат приезжает к старшему. У старшего проблемы. Еще он — гений. И младший брат его просто боготворит. Но старший как-то непонятно реагирует и даже не хочет называть братом. Почему? Оказывается, дело в отце, знаменитом и успешном композиторе. Тетро, его сын, порвал с семьей: он тоже когда-то боготворил отца, а потом возненавидел. И написал историю взаимоотношений внутри семьи. И никому ее не показывает, потому что в ней нет финала. А младший брат... хочет разобраться. Это ведь и его история тоже. А старший не хочет. Ну и так далее. Сюжетная линия закручивается на этой биографической истории, которую надо разрешить и разрубить гордиев узел, коим оказались повязаны отцы, сыновья и разные матери.
Разумеется, здесь представлена лишь завязка и, может быть, пунктирно обозначена конфликтная нить. Однако, я то ли черств оказался как зритель, то ли недостаточно образован, но история не восхитила, не поразила и не увлекла. Опять же, по моему разумению, подобный сценарий предполагает мелодраматическое развитие событий, однако с чувственной окраской в этой ленте тоже не лады. Если это и мелодрама, то тоже какая-то очень даже черно-белая...
Может быть, более искушенный зритель найдет в ней полутона, оттенки смыслов, аллегории... В моем случае интерес устойчиво падал всю вторую часть фильма, то есть после часа просмотра, тем паче, главную интригу я почему-то угадал. Зря, наверное... Может быть, эта излишняя прозорливость все и испортила. Более того, финал фильма и вовсе поверг картину во «вторую категорию», если не в третью: возможно ли наслаждение, когда смотришь и думаешь: ну, сколько можно тянуть... Финальное освобождение героя Тетро от душевных мук вызвало окончательно убийственный, но почему-то резонный вопрос: ну и что?
Резюме: актеры хороши. Винсент Галло — на высоте, Марибель Верду — убедительна, молодой Олден Калеб Эренрич напоминает Ди Каприо. Но как-то все впустую, мимо сердца. И, увы, ничего нового...
Все-таки фильм снят в черно-белых тонах, скорее всего, по третьей причине (то есть ретро здесь не при чем). И мастерство Фрэнсиса Копполы сомнению не подлежит. Но, полагаю, это не лучшая его работа.
Кто бы мог подумать, что всеми любимая студия Disney собирается выпустить на экране давно уже забытую рисованную анимацию? Мой ответ — практически никто. Были люди, которые верили, что старая добрая анимация вернётся. Это волшебники Рон Клементс и Джон Мускер.
Рон и Джон, работающие вместе над мультфильмами вот уже несколько лет, придумали нестандартный сюжет и, что самое главное, нестандартную героиню. К героине добавили дюжину сказочных и очень интересных персонажей, ну и песни. Впервые за долгие годы мы, наконец, услышим песни в мультфильмах и вспомним наше детство. Песни вышли просто прекрасные, слушать их и слушать, композитор Рэнди Ньюман превзошёл себя.
«Принцесса и лягушка», вышедшая недавно в широкий прокат в США, а у нас стартующая 1-го января, возвращает нас к «Диснею» нашего детства. А ведь казалось, жанр рисованного мюзикла, буквально взрывавший экраны лет двадцать назад, умер навсегда, и диснеевские красавицы никогда не вернутся к нам — их сменили Шрек и ВАЛЛ-И.
«Принцесса и Лягушка» — это не повторение пройденного, как этого боялись многие. Это не попытка показать зрителю ту же «Русалочку» или «Короля-Льва», пользуясь тем, что на трехмерной компьютерной анимации уже выросло целое новое поколение. И не игра на ностальгии миллионов человек. Это, как ни парадоксально, вполне самостоятельное произведение — «тот самый Дисней» через призму двадцати минувших лет.
Официантка Тиана (Аника Нони Роуз из «Девушек мечты») мечтает открыть свой ресторан в Новом Орлеане — для этого нужны деньги, много денег. Ее подруга детства богачка Шарлотта (Дженнифер Коуди с Бродвея) мечтает о прекрасном принце. Прекрасный принц Навин (бразилец Бруно Кампос, которого можно видеть хотя бы в «Кастле») так же отчаянно нуждается в деньгах, как отчаянно не хочет их добывать — он приехал в Новый Орлеан дать джазу и, заодно, променять титул на мешок денег с женой в придачу. Очаровательный Доктор Фасилье в исполнении Кита Дэвида (Кот из «Коралины в стране кошмаров», например) тоже не имеет ничего против денег... А вот два самых необычных и симпатичных героя — аллигатор Луи и светлячок Рэй — движимы исключительно любовью. Один — любовью к музыке, другой — любовью к недоступной Эванджелине. Джаз, деньги и любовь, а еще вуду и Луизиана — все это смешивается в такую историю, какой мы вряд ли могли бы ожидать от «Диснея» двадцать лет назад.
Вот оно, основное различие — оставив ту же манеру изображения, куда более выразительную, если говорить об эмоциях, и ту же музыкальность, которой так не хватает порой трехмерным фильмам, «Принцесса и лягушка» вобрала в себя еще и ироничность, присущую лучшим работам в CGI. Кстати, Вы заметили, как мало осталось сказки в современных мультфильмах? Если говорить о том, что я видел в 2009 году, это будет, пожалуй, только «Десперо», принятый очень холодно, и «Коралина» — ну, она вообще не вполне «детский мультфильм». «Принцесса и лягушка» — сказка такая, какой она должна быть, пусть даже в декорациях джазовой Луизианы — это необычное стилистическое решение только усиливает эффект.
Эффект не только зрительный, но еще и звуковой — джазу в «Принцессе и лягушке» Рэнди Ньюман действительно задает! И надо сказать огромное спасибо отечественным локализаторам — этот джаз я услышала. Анна Бутурлина со Стасом Пьехой неплохо подошли друг другу. Противникам «попсы», кстати, можно расслабиться — я сам не слушаю Пьеху-внука на эстраде, но здесь он спел неплохо. Отдельное спасибо за Игоря Балалаева — тот самый Фролло из «Нотр-Дама» — он озвучил Рэя, и за неподражаемого Билли Новика в роли Луи. А уж голос Ларисы Долиной — это просто шедевр. Ей досталась небольшая, но впечатляющая партия.
Словом, диснеевская Принцесса вернулась. Она подросла, не щадя себя, делает карьеру, встречает прекрасного Принца в образе лягушки и тут же приспосабливает к хозяйству, она практична и целеустремленна, но она диснеевская Принцесса, она вернулась. С чем я нас и поздравляю. Может, только на один раз — и «Дисней» снова обратится к трехмерным экспериментам. Я, впрочем, «за» — такие камбэки случаются единожды, лишь единожды можно создать такой шедевр из еще не забытого старого и чуть поднадоевшего нового.
